Marilyn Monroe, de verdadero nombre Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Hija de Gladys Baker, quien nunca le comunicó la identidad de su padre, su primera infancia fue muy dura. Su madre la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años; entonces se la llevó a vivir consigo. Pero un año más tarde Gladys fue internada en un sanatorio psiquiátrico en el que se le diagnosticó una esquizofrenia paranoide, enfermedad que luego Marilyn creería haber heredado, especialmente cuando era internada por sus frecuentes depresiones. Su infancia y adolescencia transcurrieron entre un orfanato (en el que ingresó a la edad de nueve años y trabajó como ayudante de cocina), la casa de sus abuelos y las de varias familias que la adoptaron. En una de estas casas de acogida sufrió al parecer abusos sexuales por parte del cabeza de familia cuando contaba ocho años.
Nada hacía pensar que Norma Jean tuviera una futura carrera como actriz, ni tan siquiera el hecho de que su madre, una mujer extraordinariamente atractiva, hubiera trabajado durante un tiempo como montadora de negativo en Consolidated Film Industries. Marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los dieciséis años, tras abandonar sus estudios, se empleó en una planta de construcción de aviones. En la misma fábrica conoció a un mecánico de 21 años, James Dougherty, con quien contrajo matrimonio el 19 de junio de 1942 y de quien se divorciaría cuatro años después.
De modelo a actriz
Ese mismo año de 1946 un fotógrafo de modas la descubrió y la convenció de que se hiciera modelo. Así, la aún llamada Norma Jean comenzó su carrera como modelo bajo la tutela de la agente Emmeline Snively, que le sugirió cambiar el color de su cabello, que era castaño de nacimiento, por el característico rubio platino. Durante esta época, Norma Jean realizó un sinfín de campañas publicitarias, siendo muy recordadas las que hizo para anunciar trajes de baño. Paralelamente, su carácter inquieto y deseoso siempre de adquirir nuevos conocimientos la llevó a tomar clases de arte dramático en el Actor's Lab de Hollywood y a asistir a cursos de literatura en la Universidad de Los Ángeles (UCLA). rostro de la modelo comenzaba a ser muy conocido. Sus innumerables trabajos publicitarios hicieron que en 1947 el magnate Howard Hughes, propietario de la compañía cinematográfica R.K.O., le ofreciera hacer unas pruebas de pantalla con el objeto de saber si podía dar juego ante una cámara cinematográfica; pero Norma Jean prefirió aceptar una oferta de la 20th Century Fox para trabajar unos meses como actriz de reparto. Intervino en tres películas olvidables en los que no fue debidamente acreditada, y ya entonces se verificó el cambio de nombre: Norma Jean pasó a llamarse Marilyn Monroe. Uno de sus primeros papeles era de figurante entre una multitud; se trataba de la película de Frederick Hugh Herbert Scudda Hoo! Scudda Hay!, con June Harver. En un momento del film, Marilyn se separaba del grupo para saludar a la actriz principal. Esta escena, sin embargo, se cortó luego en el montaje, y Marilyn recordaba algunos años después: "Una parte de mi espalda es visible en un plano, pero nadie lo supo aparte de mí y algunos amigos íntimos."
Un año después la Fox rehusó renovarle el contrato, por lo que aceptó uno nuevo de parecidas características en Columbia. Para esta compañía actuó en la comedia musical Ladies of the chorus (1948), de Phil Karlson. Marilyn era una modesta bailarina de striptease llamada Peggy Martin y cantaba dos canciones. Para preparar este papel recibió lecciones del director musical de la Columbia, Fred Karger, con quien se cree que mantuvo relaciones íntimas. Al año siguiente participó en el que sería el penúltimo filme de los hermanos Marx más o menos al completo (Groucho, Harpo y Chico), Amor en conserva (Love Happy), de David Miller. En la película, Marilyn contoneó sus caderas con tanta donosura que Groucho, que interpretaba al detective Sam Grunion, manifestó por ella con su proverbial histrionismo un bullicioso deseo.
ACCION Y AVENTURA: “Air Force One” (El Avión del Presidente) ANIMACION: “Dumbo” ARTES MARCIALES: “Al Límite del Riesgo” CIENCIA FICCION: “Campo de Batalla: La Tierra” BELICO: “Corazones de Hierro” COMEDIA: “American Pie” DIBUJOS ANIMADOS: “Cenicienta” DOCUMENTALES: “El Calentamiento Global” DRAMA: “Adivina Quién Viene esta Noche” SUSPENSO: “A la Hora Señalada” MUSICAL: “Cantando bajo la Lluvia” RELIGIOSO: “La Pasión de Cristo” SOCIAL Y POLITICO: “Asesinato en el Senado” TERROR: “El Juego del Miedo”
En 1897, el operador francés Eugenio Py realizó el documental La bandera de Argentina que consistía en una vista documental de la bandera argentina flameando en la Plaza de Mayo, se podría considerar a esta como la primera obra cinematográfica nacional. Le siguieron Viaje a Buenos Aires en (1900) y La revista de la escuadra argentina (1901). Por eso se abrieron en Buenos Aires las primeras salas.
En los primeros años del siglo XX varios autores argentinos continuaron experimentando las posibilidades del nuevo medio realizando noticieros y registros documentales. Eugenio A. Cardini filmó Escenas Callejeras (1901) y Mario Gallo realizó El fusilamiento de Dorrego (1908), que fue la primera película con trama argumental.
La historia y literatura nacionales proporcionaron la temática básica del cine argentino en sus comienzos. Uno de los primeros éxitos del cine nacional fue Nobleza Gaucha, película realizada en 1915 por Humberto Cairo, Eduardo Martínez de la Pera y Ernesto Gunche, inspirada en el Martín Fierro de José Hernández. El primer largometraje sería Amalia (1914), sobre la novela homónima de José Mármol. En 1917 se realizaba El apóstol primer largometraje animado de la historia del cine, consistía en una sátira al entonces presidente Hipólito Yrigoyen. Ese mismo año debutaba Carlos Gardel en el cine, en el filme Flor de durazno dirigido por Francisco Defilippis Novoa.
- También llamado intriga o thriller, aborda sucesos criminales o que entrañan amenazas de muerte, aunque éstos quedan en segundo plano frente al mecanismo narrativo que hace de la participación del espectador –a quien se proporciona una información hábilmente dosificada cuando no manipulada– y de diversas hipótesis sobre los interrogantes planteados el motivo espectacular. Los personajes son investigadores (policías, detectives privados, agentes secretos, periodistas o simples aficionados) y falsos culpables, criminales, agentes enemigos, etc., pero en ningún caso, tienen relación con el crimen organizado como sucede en el cine de gangsters.
Dentro de este género se presentan los siguientes sub-géneros: • Cine Negro: Se enfoca en hechos o sucesos llenos de ironía, desesperación y tensión. • Cine Detectives: Se especializa en mafias y desenvolvimiento de crímenes.
"MUSICAL"
- Se encuadra en el musical toda película que otorga importancia al espectáculo de la música a través de canciones, bailes o coreografías; incluso también se podrían considerar musicales las biografías de compositores o intérpretes. Pero, el musical por excelencia es el musical americano, un género genuino y que se caracteriza por historias optimistas y de cierta frivolidad, en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de soporte para números musicales espectaculares. Se llama también comedia musical porque los tratamientos dramáticos resultan excepcionales.
Se involucra el sonido como forma de darle al protagonista un desenvolvimiento artístico y bailable dentro del desarrollo de la película; es decir incluirle un movimiento innovador y revitalizador como otra manera de darle forma a una nueva expresión
Entre 1929 y 1930 surgió en Broadway, Estados Unidos, la comedia musical, género que atrajo rápidamente a los espectadores.
"RELIGIOSO"
- Cuenta con elementos espectaculares como la ambientación histórico-mitológica y el empleo justificado de trucajes. Sobresalen las pasiones, episodios del Antiguo Testamento y, sobretodo, vidas de Cristo y de los Santos.
"SOCIAL Y POLITICO"
- Cine que trata de temas, historias o personajes políticos desde una actitud comprometida, es decir, tomando partido sobre la ética o los valores ciudadanos afirmados o negados a través de los hechos narrados.
"TERROR"
- Género cinematográfico que comprende las películas que provocan en el espectador miedo, angustia u horror mediante personajes humanos, animales o mecánicos y monstruos imaginarios que resultan amenazantes o destructores para los protagonistas, débiles o impotentes frente a ellos. Junto a tratamientos realistas del terror, abundan los filmes fantásticos y de ciencia-ficción. El gore es un subgénero que se desarrolla a partir de los años sesenta.
Este tipo de género se especializa en la crueldad, videncia y crímenes que se ejercen en un grupo bien sea de personajes o protagonistas para infundirles miedo.
Este género recurre a la fantasía y al miedo a través de personajes monstruosos y sobrenaturales, como brujas, fantasmas, espíritus, demonios o vampiros.
Sus características generales son: • Tratamiento intrascendente y pseudos-dramático de los conflictos que plantea. • Las escenas de mucha acción: batallas, persecuciones siempre se filman en planos cortos. • Personajes estereotipados y antitéticos (un héroe fuerte, valeroso y un villano). • Los personajes luchan por un objetivo: tesoro, resolución de un misterio, rescate de personas. • Premisa: El bien siempre prevalece sobre el mal. • Protagonistas atraviesan por obstáculos y sufren una transformación a lo largo de la historia. • La acción dramática ocurre alejada de los espacios cotidianos. Siempre en lugares poco usuales: selvas, desiertos, galaxias, etc. • Frecuentemente la acción sucede en el pasado. • Se le da más peso a la ambientación, vestuario y efectos especiales que al guión.
"ANIMACION"
El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
"ARTES MARCIALES"
El cine de artes marciales es un subgénero cinematográfico en cuya acción predominan las escenas de lucha, protagonizadas por especialistas en las diversas disciplinas de combate orientales, tanto las que requieren el uso de armas blancas como las ejecutadas cuerpo a cuerpo. La casi habitual simplicidad argumental de este tipo de producciones audiovisuales se justifica por la extraordinaria complejidad de las coreografías que realizan los luchadores.
"CIENCIA FICCION"
Género cinematográfico al que pertenecen películas que narran historias en un futuro imaginario, ordinariamente caracterizado por un desarrollo tecnológico mayor. Suele estar emparentado con el género fantástico, aunque se diferencia en que éste no siempre se refiere al futuro y en que la ciencia-ficción tiene mayor realismo, los argumentos se justifican desde un punto de vista científico, aunque haya elementos no reales, como viajes en el tiempo o inventos inverosímiles
Este género está lleno de efectos especiales, montajes, iluminaciones y representaciones hoy en día digitales; para así transmitirle a los espectadores emociones y vivencias que van más allá de una simple proyección, es decir; llevarlos a un nivel de transportación e identificación con los personajes, de una manera virtual.
"BELICO"
Sirve o se desempeña para reflejar una visión clara acerca de ciertos conflictos universales o simplemente para hacer referencias históricas, de hechos o acontecimientos históricos importantes para el mundo entero.
Este género cinematográfico agrupa a las películas de guerra, normalmente con un tratamiento épico o de aventuras. Puede coexistir con otros géneros y así se habla de drama bélico, aventura bélica, comedia bélica... En la medida en que optan por uno de los bandos o tienen en cuenta el contexto social y político.
las películas bélicas suelen reflejar la ideología dominante del momento en que se realizan, están teñidas de sentimientos patrióticos o nacionalistas o servir de instrumento netamente propagandístico. Debido al peso del cine norteamericano en el panorama mundial hay mayor memoria de aquellas guerras en las que ha participado el ejército estadounidense.
"COMEDIA"
Género que pretende divertir o hacer reír al espectador mediante una trama con enredos y conflictos diversos, personajes singulares, diálogos ingeniosos y finales complacientes. El tratamiento suele ser amable y optimista, sobretodo en formas como la comedia musical y la comedia sofisticada o alta comedia. Cuando el humor está mitigado por conflictos con tratamiento realista se suele hablar de comedia dramática.
Se engloba en este género la comedia clásica americana con los dos subgéneros de comedia sofisticada y extravagante. La comedia sofisticada se desarrolla en ambientes refinados donde se pone en relación a personajes aristocráticos a través de diálogos con réplicas brillantes, se basa en situaciones equívocas y confusiones de todo tipo y propicia la evasión, aunque contiene elementos dramáticos y, en el fondo, una crítica más o menos hiriente o amable hacia las convenciones sociales y la hipocresía. La comedia extravagante -screwball comedy- se basa en la gracia de los diálogos y en el juego interpretativo y otorga importancia a la improvisación y a un ritmo más ágil.
"DIBUJOS ANIMADOS"
Se encarga de crear imágenes o muñecos que serán los protagonistas. Este tipo de género es básicamente para el público infantil ya que se desarrollan historias en base a personajes animados, alegres, divertidos y llenos de sentimientos e imaginación.
El cine animado es la filmación de dibujos o muñecos fotograma a fotograma. C readas a partir de la consecución del movimiento mediante la yuxtaposición de fotogramas que han sido concebidas individualmente o basadas en diferentes técnicas (dibujos animados, marionetas, muñecos...) que prescinde ordinariamente de la reproducción cinematográfica de la realidad.
"DOCUMENTALES"
El cine documental tiene como objetivo reflejar fielmente, en la medida de lo posible, hechos y eventos de la realidad. Sus pioneros fueron los hermanos Lumière, los mismos que inventaron el cinematógrafo, y los noticieros Charles Pathé, que fueron los primeros en filmar noticias y hechos de la vida real. El estadounidense Robert Flaherty fue el más fiel representante de este género con la película Nanuk, el esquimal (1922), que sin argumento, es decir solo con secuencias de la vida diaria, muestra la historia de un esquimal y su familia.
"DRAMA"
Películas que abordan conflictos personales y sociales con un talante y una resolución realistas. Historias que tratan las cuestiones decisivas en la vida, como el amor, los celos, el desamor, la necesidad de cariño, la experiencia de paternidad o maternidad, el dolor, etc. Si, dentro del paradigma realista, el tratamiento es más amable, el drama deriva hacia la comedia y, por el contrario, si subraya la impotencia del ser humano frente al conflicto, adquiere el tinte de la tragedia. La principal especialización de este género es el melodrama que aborda temas intemporales a través de personajes que mantienen relaciones afectivas y donde la representación de los sentimientos y conflictos busca la mayor empatía con el espectador.
El cine llegó a la Argentina apenas después de su lanzamiento en París, al poco tiempo ya empezaron a rodarse las primeras producciones nacionales. Entre otros atractivos, hubo pioneros mundiales en cine científico y de animación. Pero la verdadera industria comenzó recién en 1933, con la afirmación del cine sonoro. Los buenos tiempos, cuando las películas argentinas se veían en toda Iberoamérica, duraron hasta comienzos de los años '50. Luego, el paulatino cierre de los grandes estudios, el crecimiento de la televisión, el anquilosamiento del cine popular, y el aislamiento de un cine de autor, impusieron otras reglas de juego. Sobre esas reglas, el actual cine argentino se ha restringido en cantidad y en mercado, pero mantiene una especial calidad, internacionalmente reconocida. La primera exhibición cinematográfica, con vistas de los Lumiére, ocurrió el 18 de Julio de 1896. Ya en 1894 había llegado el kinetoscopio y, a comienzos de 1896, un concesionario de kinetoscopios había experimentado proyecciones públicas con un aparato de su invención. En 1897 comenzó la importación de cámaras francesas, y un francés residente en Argentina, Eugene Py, se convirtió en el primer realizador y camarógrafo con el corto La bandera argentina. En 1898, filmando sus propias operaciones quirúrgicas, el doctor Alejandro Posadas inició el cine quirúrgico. En 1900 aparecieron las primeras salas específicamente dedicadas al cine, y los primeros noticieros. Desde entonces, cabe señalar los ensayos de cine sonoro en 1907; el primer filme de ficción con actores profesionales, La revolución de mayo, en 1910; el primer largometraje, Amalia, en 1914; el primer gran éxito, Nobleza gaucha (costó 25.000 pesos y recaudó medio millón en seis meses, sin contar copias piratas) en 1915; el primer largometraje mundial de cine de animación, El apóstol, en 1917; y la primer mujer directora de Latinoamérica, también en 1917. Entre melodramas, policiales, cintas cómicas y temas camperos; durante el período mudo, se hicieron más de 200 películas; destacándose los asuntos de clima tanguero de Agustín Ferreyra. Sin embargo, nunca se organizó una verdadera industria, y ni siquiera se conservaron debidamente las películas.
La verdadera industria surgió con el cine sonoro, en 1933. Casi al mismo tiempo nació Argentina Sono Film, con Tango (donde debutaron Libertad Lamarque, Tita Merello y Luis Sandrini); y Lumiton, con Los tres berretines. Pronto, éstas, y otras empresas llegaron a producir, en estudios propios, unos treinta filmes anuales que exportaban a toda Latinoamérica; en especial los melodramas de Libertad Lamarque, las cómicas de Sandrini y, más tarde, también las de Niní Marshall. En 1938 ya existían 29 galerías de filmación, aunque de equipamiento todavía precario. Los principales realizadores eran el prolífico Moglia Barth. El más prometedor y hábil Manuel Romero con: La vida es un tango; La muchacha del circo y Fuera de la ley drama policial prohibido en New York; entre otros. El riguroso Mario Soffici, autor de Prisioneros de la tierra (según encuestas, el mejor filme del cine argentino) y otros dramas sociales y también algunas comedias; el poeta suburbano Leopoldo Torres Ríos autor de La vuelta al nido, Pelota de trapo y Aquello que amamos; el retórico pero efectivo Luis César Amadori realizador de Dios se lo pague y Almafuerte; y, el creador de comedias burguesas, Francisco Mugica en Así es la vida y Los martes, orquídeas. También los más refinados Daniel Tynaire, Luis Saslavsky, de Savalía y Borcosque. Pronto se sumaron Carlos Hugo Christensen con sus dramas y comedias de carga erótica como Safo y El ángel desnudo, los directores de comedias Bayón Herrera y Schlieper, y el director de cine épico Lucas Demare con: La guerra gaucha y Su mejor alumno.
Tres hechos clave de los años '40 fueron la formación de la cooperativa Artistas Argentinos Asociados, con buena parte de la "intelligentzia" de la época; en segundo lugar, la crisis por falta de película virgen (consecuencia de la neutralidad argentina durante la segunda guerra mundial) y, desde 1944, la creciente intervención del Estado.
Con el tiempo, esto se traduciría en formas de censura, listas negras, reparto discrecional de película virgen y créditos blandos que sólo beneficiaron a los comerciantes de ocasión. Se destaca sin embargo la calidad del cantante, actor y realizador Hugo del Carril en Las aguas bajan turbias, La Quintrala y Más allá del olvido. En 1957 se crearon la Ley de Cine y el Instituto Nacional de Cinematografía (INC), que desde entonces decide créditos, difusiones... o trabas burocráticas, según la época.
Con su respaldo inicial se afirmaron el polemista Leopoldo Torre Nilsson, que pronto alcanzó fama internacional autor de La casa del ángel y La mano en la trampa; la dupla Fernando Ayala - Héctor Olivera (El jefe, El candidato), creadores de el sello Aries y; tras ellos, los miembros de la llamada generación del '60, ajenos al sistema de estudio, ya demasiado caro y anquilosado. En esa época se destacaron Simon Feldman con El negoción , Martínez Suárez con Dar la cara, René Mugica con Hombre de la esquina rosada sobre un cuento de Borges, Lautaro Murúa con Shunco y Manuel Antin con La cifra impar, sobre un cuento de Cortázar. Paralelamente, Fernando Birri impulsaba su escuela de cine documental, con dos trabajos memorable: Tiré dié y Los inundados, donde la denuncia realista y el humorismo provinciano hacían una buena combinación. Fruto de esos tiempos sería otro actor, cantante y director: Leonardo Favio, que debutó con un excelente drama, casi autobiográfico, Crónica de un niño solo. Hacia fines de los '60 interesó el cine underground de algunos directores de publicidad que experimentaban con el lenguaje, pero, sobre todo, interesó el ensayo político de Pino Solanas y Octavio Getino en La hora de los hornos, un trabajo provocativo e innovador, exhibido, forzosamente, en funciones clandestinas como desafío al gobierno militar de turno. Mucho cine de agitación se desarrolló por esos años. Entre 1973 y 1975,con un gobierno democrático y una economía medianamente estable, el cine argentino alcanzó grandes éxitos de crítica y boletería, como el drama campero Juan Moreira (Favio), La Patagonia rebelde una historia de represión (Olivera), La tregua, un romance de oficina candidateado al Oscar (Sergio Renán) y La Raulito (Murúa). Pero la censura y un nuevo gobierno militar, acabaron con esa primavera. El desquite vendría después, con Tiempo de revancha de Adolfo Aristarain, la comedia satírica Plata dulce de Ayala, y el documental La república perdida de Miguel Pérez. En 1984 un gobierno radical acabó con la censura y un cineasta de los '60, Manuel Antin, puesto al frente del INC, propició el surgimiento de una nueva generación, que pasó a llamarse del Cine Argentino en Libertad y Democracia. Así surgieron Camila de María Luisa Bemberg, (otro candidato al Oscar), La historia oficial de Luis Puenzo, ganador, finalmente, del Oscar, Hombre mirando al sudeste de Eliseo Subiela, Tangos.El Exilio de Gardel de Solanas, La deuda interna de Miguel Pereira y muchos otros filmes, la mayoría de realizadores jóvenes o postergados que ganaron gran cantidad de premios internacionales, y colocaron sus películas en casi todo el mundo. Sin embargo, la crisis económica argentina de 1989, con su hiperinflación, terminó también con los nuevos sueños. Convertidos definitivamente en directores-productores dependientes del subsidio oficial o de la coproducción extranjera, los cineastas argentinos se esperanzan hoy en la nueva ley, aprobada en 1995, que obliga al video y la televisión a aportar dinero para financiar películas argentinas. Quizás de este modo, la Evita de Alan Parker termine financiando un buen filme argentino sobre Eva Perón. Por lo pronto, continúan surgiendo jóvenes realizadores, de mucha creatividad y bajos presupuestos, como Ciro Capellari que en estos días está filmando con la actriz española Angela Molina en la Patagonia, Alejandro Agresti o Jorge Rocca.
Auguste y Louis Lumière son los grandes padres del cine.
Auguste (Besançon, Francia, 1862-Lyón, 1954) y Louis (Besançon, 1864-Bandol, Francia, 1948). Ambos realizaron importantes descubrimientos en el campo de la fotografía. Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía. Tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar.
Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla. Un año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consigue construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida de los obreros de su fábrica, su primera película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre del presente año.
Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente.
Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscopio.
El uso de efectos de sonido representó un ingrediente importante para complementar las carencias y los espacios en blanco dejados por una era en la que los efectos especiales dejaban mucho que desear. Un buen ejemplo sería cuando Moe golpea con un martillo a sus compañeros chiflados, algo que se conseguía al impactar esta herramienta contra un objeto macizo o rígido, dando a entender al televidente que los personajes eran cabezadura o, en muchos casos, incluso huecos de cerebro. Los tambores se usaban para ocasionar el sonido producido ante el golpe ficticio a las zonas bajas del cuerpo, y el violín hacía lo propio para representar al típico piquete de ojos. Cuando determinadas extremidades como los dedos de las manos o de los pies, o la misma nariz eran mordidas, pellizcadas o presionadas, un ruido parecido al ocasionado tras partir una nuez acompañaba de fondo. De alguna manera, el ingenioso uso de estos efectos de audio fue lo que propició, en gran medida, el éxito del espectáculo, ya que el prescindir de ellos podría haber desembocado en algo monótono y prejuzgado de violento.
Los protagonistas de los Tres Chiflados, Moe Howard (Moises Horwitz), sus hermanos Curly (Jerome Lester Horwitz) y Shemp (Samuel Horwitz) (junto a su amigo Larry (Louis Feinberg)) eran los hijos de Solomon y Jennie Horwitz, una sacrificada familia de inmigrantes judíos de Bensonhurst, Nueva York, provenientes de la pobre Lituania, en la lejana Europa del Este.
Fue tal vez el duro camino que le toco sortear a sus padre lo que inspiró a estos genios de la comedia a crear una comedia anárquica, agresiva, y cínica en algunos momentos, que logró despertar a la conformista, pero a la vez deprimida, sociedad norteamericana de la década del treinta, rompiendo todas las normas sobre el comportamiento “políticamente correcto” en la sociedad.
Pero el camino para formar la leyenda de los Tres Chiflados fue duro y lleno de dificultades, recibiendo a cambio el tributo de un público que no dudó en ovacionarlos hasta el cansancio, (el cual dura hasta hoy en día), pero no así su correspondiente reconocimiento económico, ya que de hecho sólo llegaron a recibir no más de 8 mil dólares por sus producciones, y jamás consiguieron la estabilidad económica que su estrellato les debió.
Comienza la leyenda
Corría el año 1922, cuando Ted Healy, un cómico de vodevil, tuvo algunas discusiones referentes a su acto de acrobacia alemana, tan sólo un rato antes que comenzará su exhibición en el Brooklyn Prospect Theatre, de Nueva York. El show de Healy fue cancelado, por lo que Ted quedó sólo y decidió llamar dos de sus amigos antiguos, quienes hacía shows de slapstick, Moe y Shemp Howard, para formar un nuevo grupo.
En su primera presentación, los tres hicieron una función inolvidable, a la que todo el público aplaudió de pie, y este fue sin dudas el comienzo de la leyenda de los Tres Chiflados, aunque todavía sin su nombre.
Los Howards y Healy hicieron giras de teatro durante tres años, deslumbrando a cualquier audiencia que asistiera a verlos. Pero en 1925, Shemp dejó el grupo para presentarse en soledad. Así, una noche en Filadelfia, Moe le sugirió a Ted otro artista que podría hacer un buen reemplazo. Se trataba de Larry Fine, miembro de un equipo de canción y baile llamado "Haney Sisters and Fine". Larry tocó el violín e hizo un baile ruso al compás de "My Old Kentucky Home". Tan buena fue su actuación, que Moe y Healy lo convocaron para ser el nuevo integrante del grupo, formando otro trío hasta 1927.
Ese año, Moe y Larry dejaron el grupo temporalmente. Moe quiso estar más cerca de su familia, ya que su esposa había dado a luz a su primer hijo, y Larry se casó con una de las Haney Sisters, Mabel. Shemp volvió a juntarse a Ted y ambos comenzaron a aparecer en el show de Broadway "A Night In Spain", junto con otros cómicos. Moe y Larry regresaron al grupo en 1929, justo a tiempo para otra exposición de Broadway, "A Night in Venice".
Esta última, fue la primera vez que Moe, Larry, y Shemp actuaron todos juntos al mismo tiempo. El acto tuvo varios nombres durante sus primeros años de existencia. Generalmente se llamaba "Ted Healy and His Racketeers", pero en otros momentos se llamó "Ted Healy and His Three Southerns Gentlemen", "Ted Healy and His Gang" o "Ted Healy and His Stooges" aunque nunca se denominó "Ted Healy and His Three Stooges".
Ted era siempre el líder en las actuaciones, y a menudo él también se quedaba con la mayor parte de la recaudación, pero los mayores aplausos se los llevaba Moe, quién hacia sus clásicas morisquetas frente a la parsimonia de Healy.
Finalmente, para 1930, Moe, Larry, y Shemp se había cansado de los abusos de Healy, así como se de su constante adicción a la bebida. Fue así que decidieron separarse de Ted y comenzar un show propio. Para esto, contrataron a Jack Walsh para que los ayude a administrarse y llamaron a su propio acto "Tres Lost Souls" (Tres Almas Perdidas). Ted, por su parte, trató de reemplazar al fabuloso trío, pero jamás volvió a gozar de una repercusión, ni siquiera mínima, con sus nuevos acompañantes.
Fue entonces que se arrodilló y les imploró a Moe, Larry, y Shemp que regresaran con él, algo que ellos finalmente decidieron hacer cuando tuvieron una oportunidad para ser estrellas en el musical de Broadway de J. J. Shubert denominado "The Passing Show of 1932".
Sin embargo, Ted recibió una mejor oferta de Balaban & Katz Circuit y se desligó así de su contrato con Shubert, pero no sin antes tentar a Moe y a Larry para que se unieran a él, algo que finalmente hicieron. Shemp, sin embargo, estaba cansado de Ted, por lo que decidió permanecer en la exposición de Shubert.
Así, al necesitar un reemplazo para Shemp, Moe le habló a Ted acerca de su hermano menor Jerome. Ted le dio una prueba de audición, y concordó en que Jerome se uniera, pero sólo si se afeitaba la cabeza dejándose un rulo, algo que Jerome hizo, así como adoptar el apodo de "Curly" (rulito).
Pero fue recién en 1933 cuando Hollywood descubrió a los chiflados. Un agente de MGM los encaró en uno de sus actos, y les propuso firmar un contrato de un año. Antes de esto, los Chiflados sólo habían hecho una aparición en una película, la cual fue producida por Fox en 1930 y se llamó "Soup to Nuts" todavía cuándo Shemp estaba junto a ellos. Durante su año de contrato con la MGM, Ted y sus Chiflados protagonizaron varios cortos y apariciones en varias películas, entre las que se encontraban la muy famosa "Dancing Lady" con Joan Crawford Clark Gable.
Los Tres Chiflados dan a luz
El éxito fue evidente, y a principios de 1934, la Columbia le ofreció a los Chiflados firmar otro contrato, aunque esta vez sin Ted Healy. Moe, Larry, y Curly aprovecharon la ocasión y firmaron el contrato. Así comenzó su asociación con la Columbia, donde ellos comenzaron a ser oficialmente los Tres Chiflados, actuando sus personajes durante largos veinticuatro años, hasta 1958, lo que significó el contrato más largo en la historia de Hollywood.
En un principio, los Tres Chiflados hicieron para Columbia un corto llamado "Woman Haters", el cual era diferente a todos los cortos que le seguirían, pues era un musical con diálogos rimados. Su segundo corto se llamó "Punch Drunks", en donde Curly era un pugilista que se volvía loco cuando oía "Pop goes the Weasel". Este fue el único corto en el que los Tres Chiflados pudieron escribir el guión. En su tercer corto, "Men in Black" los Chiflados hacían del Dr. Howard, Dr. Fine, y Dr. Howard, y gracias a su actuación consiguieron una nominación para el Premio de la Academia, aunque perdieron con su competencia, "Three Little Pigs". El cuarto corto, casualmente, fue titulado "Three Little Pigskins".
Pero los mismos fueron sólo el comienzo de la leyenda protagonizada por Moe, Larry, y Curly, quienes protagonizarían 97 cortos entre de 17 minutos de largo entre 1934 y 1946, con un promedio de ocho por año. Este fue sin dudas el período más recordado y celebre de la carrera de los Tres Chiflados.
En 1946, durante la filmación de la comedia número 97 de los Tres Chiflados, "Half-Wits’ Holiday", Curly sufrió un ataque al corazón que lo forzó a dejar la actuación. Y luego de seis años de retiro, Curly sufriría una serie de ataques que lo llevaron a la muerte prematura el 18 de enero de 1952, a la edad de 48 años, no sin antes hacer algunos bolos menores en los siguientes capítulos de los Tres Chiflados, y siendo el Cuarto Chiflado en el capítulo número cien.
En efecto, Moe decidió que el reemplazo natural de Curly era Shemp, quien era un gran cómico que tuvo una carrera solista muy exitosa luego de abandonar a los Chiflados en 1932, y conocía el show mejor que nadie, por lo que en 1946, Shemp volvió a ser una vez más el tercer Chiflado. Moe, Larry, y Shemp continuaron en la Columbia, estrenando 77 cortos más entre 1946 y 1955. Incluso, llegaron a protagonizar su primera película, una producción United Artists llamada "Gold Raiders", en 1951.
Pero entonces, el 23 de noviembre de 1955, la desgracia volvería a visitar a los Chiflados y la familia de Howard. Shemp y Al Winston, un amigo, fueron a ver una pelea de box al Hollywood Legion Stadium. A la salida, tomaron un taxi y Shemp encendió su cigarro. Pero sorpresivamente se desmayó sobre su amigo al sufrir un ataque cardíaco, falleciendo al instante, a los sesenta años. Moe había perdido dos hermanos, y Larry dos amigos cercanos. Fue una decisión difícil para ellos, pero decidieron que el show debía continuar.
Así, en 1956, el cómico Joe Besser fue convocado para unirse a la actuación. Joe era también famoso para su personaje denominado "Stinky" en el Show de Abbot y Costello, y por la voz de "Babu" en la tira humorística "Jeannie" de Hanna Barbera. Pero Joe no permaneció con los Chiflados durante mucho tiempo, ya que después de dos años y sólo dieciséis cortos realizados juntos, la Columbia decidió no renovar el contrato de los Chiflados para 1958. Así, el 20 de diciembre de 1957, los Tres Chiflados finalizarían su serie de 190 películas en veinticuatro años.
Joe Besser también se alejó del grupo a principios de 1958, cuando su esposa sufrió un infarto, por lo que Moe y Larry tuvieron que enfrentarse una vez más a la decisión de continuar o no sus personajes. Entonces, algo increíble sucedió. En enero de 1958, el canal de televisión Screem Gems repitió 78 cortos de los Tres Chiflados, y con ellos, toda una nueva generación de niños los descubrió, haciéndolos nuevamente tremendamente populares. Repentinamente, los Tres Chiflados eran incluso más famosos que lo que lo habían sido jamás, y fueron convocados para hacer todo tipo de actuaciones en teatro.
Así, Moe y Larry decidieron continuar su actuación. Larry le sugirió a Moe que el cómico Joe DeRita, a quien había visto en "Minsky’s Follies of 1958", haría un buen "Curly", gracias a su estatura física. Así, DeRita se afeitó la cabeza y se unió al show con el nombre de "Joe Curly".
Fue entonces que Moe, Larry, y Joe Curly protagonizaron entre 1959 y 1965 cinco películas para la Columbia, el mismo estudio que los había despedido un año atrás. Las películas, se llamaron "Have Rocket, Will Travel" (1959), " The Three Stooges Meet Hercules" (1962), "The Three Stooges in Orbit" (1962), "The Three Stooges Go Around the World in a Daze" (1963), y "The Outlaws Is Coming" (1965).
Asimismo, también protagonizaron en 1961 una película para la 20th Century Fox llamada "Show White and The Three Stooges". Y además tuvieron su versión de dibujitos animados en 1965, llamado "The New Three Stooges".
En 1970, durante la filmación de una película para la televisión llamada "Kook’s Tours" Larry sufrió un ataque al corazón que paralizó la mitad izquierda de su cuerpo. Esta vez, Moe decidió que el show no podría continuar sin Larry, y "Kook’s Tour" nunca se terminó ni fue estrenada. Así, la última aparición de los Tres Chiflados fue en un corto de 1968 para el Departamento del Tesoro de los Estados Unidos, llamada "Star Spangled Salesman".
Larry falleció poco después, un 24 de enero de 1975, a la edad de 72 años. Moe Howard murió a los cuatro meses, el 4 de mayo de 1975, a los 77 años. Joe Besser, por su parte, falleció en 1988, a la edad de 80 años, y Joe DeRita murió en 1993, en los 84 años.
La leyenda que nunca acabará
Pero hoy día, casi 30 años después desde que los Tres Chiflados finalizaron su actuación, ellos son todavía tremendamente populares, y se han convertido en un mito y una leyenda que difícilmente pueda alcanzar otro grupo.
Sus clubes de fans de multiplican por miles en todos los países del mundo, y constantemente los canales emiten al mediodía o la medianoche su fantástico show. El periodista de la revista Variety, Michael Fleming, los reconoce como verdaderos "íconos" de la cultura popular, y hace poco edito su biografía, la cual fue filmada para el canal de televisión ABC con producción de Mel Gibson, quien se reconoce como un gran fanático. Incluso, el gobierno de Mongolia publicó estampillas con sus rostros.
Los Tres Chiflados fueron, junto a los Hermanos Marx, Laurel y Hardy, Abbot y Costello, los más grandes cómicos de la historia de Hollywood, y seguramente, por muchos años, varias generaciones nuevas podrán conocer su magia y su encanto, por lo que sin ningún lugar a dudas Los Tres Chiflados permanecerán vivos para siempre.
La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al crear el kinetoscopio, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste, los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo. La primera presentación fue en el ya mencionado 28 de diciembre de 1895, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda para la anécdota aquella en la que un tren parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con un instintivo pavor.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.
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